Tournées 88-89

Dans TACTUS, on retrouve le mot « tact »- toucher; de plus, au Moyen-Age, ce terme représentait le « temps »- tempo.

Alain CARRE, musicien de la langue française,

Jean-Luc IMPE, luth

Catherine DARON,  flûte

proposent LE PRINCE DES SOTS, spectacle basé sur des musiques et des textes du Moyen-Age.
Il y a peu d’années, le Moyen-Age passait pour une période de peu d’intérêts qu’occultait le prestige de la Renaissance.

Aujourd’hui, de plus en plus de regards essaient de percer le grand mystère médiéval. Le spectacle proposé vise à faire connaître et apprécier les richesses culturelles de cette époque.

Cette animation haute en couleurs (les musiciens sont habillés en costumes d’époque) fait revivre les trésors littéraires et musicaux du Moyen-Age, où s’entremêlent le populaire et le courtois, le grivois, la passion, le rire et les pleurs.

Les textes sont signés Louise LABE, RUTEBEUF, PETRARQUE, Pierre de RONSARD, François VILLON, Philippe DESPORTES, la comtesse de DIE … et il y a, bien sûr, des textes anonymes.
La musique intervient comme illustration sonore de certains textes, ou comme temps de réflexion entre les passages récités.

Etienne PLASMAN, flûte,

Raphaël PALACIOS, hautbois,

Philippe ANCION, clarinette·,

Philippe DURANT, cor,

Christian KOERVER, basson,

forment le quintette à vent EOLE, qui, pour les animations J.M., se présentera comme un groupe « à géométrie variable », essentiellement en trio.

EOLE, quatre bois, dont un en métal (étrange …. et pourtant. … !). En sus, un cuivre, le plus doux d’entre eux…

Les cinq couleurs fondamentales de l’orchestre classico-romantique confèrent à cet ensemble de musique de chambre une variété et une richesse de timbres qui sont les atouts majeurs d’un genre musical agréable à écouter pour un public, averti ou non.

Le répertoire est très vaste: de 1800 à nos jours, de la musique la plus sérieuse à la plus divertissante, sans jamais verser dans la sévérité ni sombrer dans la trivialité.

Quintette EOLE est synonyme de musique de chambre, de l’inattendu : cinq instruments conventionnels dans des situations parfois surprenantes : une flûte, légère ou fugueuse, souvent cristalline; un hautbois, champêtre, mélancolique, mais parfois drôle; une veloutée autant que volubile et brillante; un cor, alpestre, sylvestre, et toujours généreux, et, par dessous, un basson tour à tour léger et clownesque, ou sage et profond.

Par souci pédagogique, le quintette EOLE nous offre un programme modulable, selon les besoins du public: possibilité d’animation en trio.

Christine DE SPOT, récitante,

Christophe VERVOORT, piano électrique,

Paul DUBOIS, contrebasse,

Robert CORDIER, batterie

présentent un spectacle mariant musique et poésie, une promenade dans Paris à l’époque de Saint-Germain-des-Prés.

Une occasion pour le jeune public de découvrir les poètes surréalistes et existentialistes Boris Vian, Jacques Prévert, Robert Desnos, Henry Michaux, Jean Tardieu … , sur des musiques de l’époque : Duke Ellington, Kurt Weill, Charlie Parker, Sonny Rollins, Vladimir Kosma (notamment les célébrissimes « Feuilles mortes »).

Le choix des textes sera bien évidemment adapté à l’âge des auditeurs (12/15 et 15/18 ans), qu’il importe donc de préciser.

PIBROCH, déformation anglaise du gaëlique « Piobaireachd », pièce de musique classique (Ceol Mor) pour cornemuse (Piobh Mor), est un groupe de musiciens de la région montoise qui est spécialisé dans le répertoire issu de la tradition celtique : Ecosse, Irlande, Pays de Ga11es, Bretagne, Hébrides, île de Man, Cornouailles…

Généralement, les chants sont chantés dans la langue originale, mais des adaptations françaises sont également présentées.
La formule originale du groupe consiste en un mélange harmonieux d’instruments modernes et anciens, le joueur de ces derniers se présentant en kilt, coiffé du « glengarry ». Sa cornemuse, faite d’ébène, d’ivoire et d’argent massif, est porteuse de souvenirs historiques, c’est elle qui conduisit l’assaut lors de la bataille de Mons en 14/18.

Associant des instruments modernes – synthétiseur, guitare basse, batterie – et traditionnels cornemuses, dulcimers, harpe celtique, flûtes irlandaises, bombarde PIBROCH parvient à intégrer multiséculaire aux tendances musicales actuelles.

Jean-Luc SLOCK, percussions,

Benoit VANDERSTRAETEN, basse,

André CHARLIER, batterie,

Lucky VANDEVELDE, flûte

présentent une animation basée sur la SECTION RYTHMIQUE dans différentes musiques bien connues des jeunes : rock, jazz, reggae, musique latino-américaine…
L’objectif du groupe est de mettre en évidence l’importance de la section rythmique dans ces musiques et de donner ainsi aux jeunes des éléments pour une meilleure compréhension de celles-ci.

C’est en effet la section rythmique qui permet de distinguer les différents styles musicaux: son rôle n’est pas seulement de marquer régulièrement le rythme de base et de créer le « swing » qui alimentera l’inspiration des musiciens de la section mélodique, c’est aussi (en ce qui concerne la « basse ») de jouer les accords de base du morceau, afin de donner aux musiciens « mélodiques » le tremplin harmonique sur lequel ils exécutent leurs broderies.

Les membres de la section rythmique doivent « jouer comme un seul homme » afin de fournir à l’orchestre une pulsation égale, souple, aisée, donnant aux autres instrumentistes une impression de sécurité, leur donnant aussi l’impression nécessaire pour trouver l’inspiration.

Il est donc capital que la section rythmique soit stable et régulière :

beaucoup plus qu’un simple métronome, elle est le coeur de l’orchestre, qui doit battre de façon vibrante, avec une vigoureuse sensibilité, réagissant au jeu des instrumentistes mélodiques tout comme le coeur humain réagit aux impressions et sensations reçues.
Outre les styles musicaux – rock, jazz, latin, funk, reggae -, l’animation présentera’ les différents instruments : basse électrique, batterie (toms, caisse claire, grosse caisse, cymbales, charleston), percussions (congas et percussions africaines).

C’est en 1973, au sein de l’Athénée Royal Gatti de Gamond (Bruxelles), que Françoise FONTIGNY a créé le BALLET GATTI.
D’abord simple activité scolaire, le BALLET GATTI a vite gagné, tant en qualité qu’en rayonnement, et est devenu un élément essentiel à la vie de l’Athénée, ainsi qu’à l’activité chorégraphique belge. Mais, quels que soient son succès et sa notabilité, il est resté solidement ancré dans l’école qui l lavait fait naître et demeure avant tout un outil pédagogique. La pédagogie de la danse repose, dans l’optique de Françoise FONTINGY, sur la motivation qu’éveille chez l’élève un mouvement dansé. La technique n’est pas recherchée pour elle-même, elle se subordonne au désir de progresser, mais, une fois ce désir nettement ressenti, la technique impose ses exigences de précision, -de rigueur, de dépassement. – Alors seulement, quand la maîtrise est totale, 1a danse devient un moyen d’expression qui fait appel aux qualités profondes de l’être, tant intellectuelles qu’affectives, et aux di vers aspects de la personnalité. Elle offre ainsi aux jeunes qui la pratiquent la possibilité d’une communication immédiate qui ne demande pas l’intermédiaire du verbe.

Le BALLET GATTI a atteint un niveau technique tel que l’expression par la danse y semble libre et apparaît comme un jeu du corps et de l’imagination. Le public n’a pas tardé à reconnaître tant de qualité, et le BALLET GATTI se produit avec un égal succès devant des spectateurs de tous âges qui se découvrent sensibles à l’intense joie de vivre que dégage ce spectacle sans cesse renouvelé. En dix ans, Françoise FONTIGNY a en effet créé 90 chorégraphies, et cela malgré la mouvance et l’instabilité d’un corps de ballet que chaque année scolaire renouvelle partiellement.

Aujourd’hui, le GATTI se compose de 18 danseurs et danseuses, élèves et anciens élèves de l’Athénée Royal Gatti de Gamond.

Françoise FONTIGNY est l’animatrice et la chorégraphe du ballet. Après une formation en danse classique et éducation physique, elle est devenue professeur au Lycée Royal Gatti de Gamond et assistante en danse à l’Université Libre de Bruxelles.

Lorsqu’en 1968, inspirés par des danses et chants d’autrefois, quatre jeunes gens se réunirent pour faire de la musique, nul n’aurait pu prévoir le développement de leur humble initiative.
Ainsi naquit ‘T KLIEKSKE (en flamand ancien, « groupe d’amis »).

Le groupe s’informa auprès de personnes âgées et analysa dans les moindres détails toutes les publications concernant la musique populaire. Il en résulte une importante collection de chansons, de mélodies et de danses populaires.

Et puis vinrent les concerts: une sélection de cette riche tradition leur fournit un programme varié allant du théâtre à l’animation de rue. Entretemps, Herman s’attela à l’étude et à la construction d’instruments anciens les plus divers tels que la vielle à roue, la bûche, la flûte en sureau, la cornemuse, le hautbois à capsule, le fifre, le tambourin à cordes, le chalumeau, . . .

Le groupe est par ailleurs à l’origine de stages de musique populaire au Baljuwhuis de Galmaarden, où Herman dirige l’atelier de création d’instruments.

La contribution de ‘T KLIEKSKE à la musique populaire est telle que la télévision fait régulièrement appel à eux pour l’illustration musicale de films et de pièces de théâtre.

‘T KLIEKSKE, ce sont quatre musiciens

Rosita TAHON, chant, violon, bourdon, percussions…

Herman DEWIT, cornemuse, bourdon, castagnettes, fifre, orgue à bouche…

Oswald TAHON, flûte à bec, fifre, cornemuse, pipeau, clarinette…

Wilfrid MOONEN, accordéon, harmonica, violon, contrebasse, tambourin…

La plupart de ces instruments ont été fabriqués par Herman DEWIT, membre de l’ensemble.

Mieux faire connaître la musique de notre temps, tel est l’objectif du Festival « Musiques présentes » qui tiendra sa première édition en mars 1989. La plupart de nos grandes institutions musicales participeront à ce qui devrait être un événement de dimension internationale.

Afin de sensibiliser et de préparer les jeunes à la découverte des musiques d’aujourd’hui, les J.M. proposent trois animations. Celles-ci peuvent être présentées séparément ou en un cycle, selon les possibilités et les souhaits des sections et des écoles.

Chacune de ces animations permettra d’entendre des oeuvres contemporaines jouées par de jeunes interprètes, avec une introduction au langage musical d’aujourd’hui. En outre, les animateurs veilleront à situer la musique en relation avec l’évolution d’autres disciplines artistiques et les grandes mutations sociales ou technologiques de notre époque.

Dans la mesure du possible, les cycles de trois animations seront présentés par le même animateur, afin de créer une continuité maximale entre les séances.

Les trois animations, les musiciens et les animateurs l’objet d’une préparation particulièrement soignée vu l’exigence de cette musique, sous la responsabilité de Bernard Foccroulle.

Il y a quarante ans, Pierre SCHAEFFER inventai t la musique concrète dans les studios de Radio France, et les premiers studios de musique électronique allaient bientôt donner lieu à une première génération d’oeuvres révolutionnaires. Où en sommes-nous aujourd’hui, à l’ère de la synthèse numérique, du disque laser et de la composition assistée par ordinateur?

Pour répondre à ces questions, Patrick LENFANT, compositeur, directeur artistique du Studio de musique électronique de Liège, présente une animation en deux volets (2 x 50′).

La première parti e comporte une explication sur le son et les techniques actuelles de production électronique, avec des exemples tirés d’oeuvres marquantes de compositeurs tels que Stockhausen , Berio , Pousseur, Schaeffer, Risset, etc …

La deuxième partie consiste en une animation-concert avec la participation d’un instrumentiste (clarinette, ou flûte, ou piano … ), dans un programme d’oeuvres « mixtes », qui utilisent les instruments acoustiques ainsi que des moyens électroniques (bande magnétique, amplification, synthétiseurs, etc.) .

Afin de préparer et de prolonger cette animation, les J. M. proposeront en collaboration avec le Centre de Recherches Musicales de Wallonie une documentation comprenant une cassette et un fascicule développant les notions et exemples contenus sur la cassette. Ce matériel devrait en outre permettre aux enseignants de éventuellement en charge la première partie de l’animation.

En résumé, deux formules au choix:
1. animation préparatoire « (SOI) + animation-concert (501). L’idéal est de grouper les deux en une séance d’une heure 40′.
2. prise en charge du travail préparatoire par l’enseignant avec l’aide de la cassette et du fascicule; et ensuite animation-concert (Patrick LENFANT + un instrumentiste).

Formule optionnelle: possibilité de réaliser ces animations au lieu même du Studio de musique électronique de Liège (une classe maximum).

Elisabeth WOLTECHE (flûte à bec et alto) e t Serge CLEMENT (piano) présentent un compositeur majeur de notre temps, Karlheinz STOCKHAUSEN. Son oeuvre extrêmement importante et variée va de la musique électronique à une nouvelle écriture mélodique, intégrant la rationalité la plus radicale (les « Klavierstücke…), comme l’ouverture à la pensée orientale et la méditation (« Stimmung » …).

Cette animation permet d’entendre quelques oeuvres significatives de différentes époques de la production de STOCKHAUSEN (années 50, 70 et 80), ainsi que des compositeurs qui l’ont influencé, comme Olivier MESSIAEN. Elisabeth WOLTECHE propose également une comparaison entre une oeuvre baroque pour flûte seule et Il In Freundschaft ». Les deux musiciens se- retrouvent pour terminer par « Tierkreis », un ensemble de douze mélodies associées aux signes du zodiaque.

L’animation aborde également les mutations (sociales, culturelles, technologiques) de notre société depuis la dernière guerre, en relation avec l’évolution du langage musical de Stockhausen. Comprendre la musique de notre temps, c’est aussi mieux comprendre notre temps!

Un animateur présente l’animation avec les deux musiciens et sert à établir le contact entré le public et cette musique peu assimilée. Il établit également des liaisons avec les autres animations.

Fabrizzio CASSOL, saxophone alto,

Michel DEBRULLE, percussions,

Michel MASSOT, tuba et trombone

forment le TRIO BRAVO, qui a déjà réalisé des animations aux Jeunesses Musicales. Cet ensemble qui existe depuis 4 ans, sortira en octobre prochain son premier disque compact, précédé de deux LP unanimement appréciés. Le TRIO BRAVO se produit régulièrement dans des festivals importants, en Belgique et à l’étranger.

Pour cette animation, le Trio présente des oeuvres du répertoire contemporain (Pousseur, Berio, etc), des improvisations sur des standards classiques du jazz, ainsi que son répertoire propre, qui se situe aux confins d’influences aussi diverses que le jazz, le rock et l’avant-garde.

Au coeur de l’animation, le « démontage » du processus de création collective d’une pièce du répertoire propre du trio (de la composition de la mélodie aux différents visages de l’oeuvre, en passant par les stades intermédiaires, les tâtonnements et les expérimentations).

En principe, pas de matériel spécifique (sauf si le local est trop grand… A convenir avec le Trio).

« Dimanche dernier, à  Boulouris, la Provence était honorée par un de ses chantres les plus passionnés. Et des plus passionnants. Jean COUTAREL, un physique qui aurait manifestement pu inspirer Daudet pour son personnage de Tartarin de Tarascon …  » (Ni ce Matin, août 1987).

Jean COUTAREL est un tambourinaire (prononcez : tambourina-ire) provençal professionnel. Il joue du galoubet (petite flûte à trois trous) et du tambourin. C’est un authentique virtuose, reconnu par les plus grands musiciens. Mais c’est aussi un conteur, qui fait partager sa passion de la Provence et de l’histoire des traditions, qui sait parler de sa région avec chaleur, avec érudition. Grâce à son sens inné du contact, Jean COUTAREL s’adapte à tous les publics, et particulièrement aux jeunes de tous âges: il a d’ailleurs réalisé des centaines d’animations scolaires, de la maternelle aux secondaires, apportant au jeune public son expérience de musicien, sa parfaite connaissance de la Provence et sa passion des traditions.

Héritier de 8 siècles de tradition populaire, le tambourinaire du 20ème siècle un vaste répertoire: airs traditionnels – airs de danse, airs accompagnant les grandes fêtes traditionnelles, airs d’aubade, etc… bref, tous ces moments de la fête populaire en Provence; « classiques » du galoubet il s’agit de morceaux composés par des tambourinaires particulièrement virtuoses, ainsi que d’adaptations d’oeuvres du Moyen Age; enfin, les « expériences » : chaque virtuose adapte et joue les airs qu’il aime particulièrement, choisis dans son répertoire favori, ce qui fait qu’il n’y a pas un »catalogue ». des oeuvres pour galoubet, mais autant de recueils que de virtuoses… Les seules limites aux « expériences » sont celles de l’exécutant !

Un duo insolite formé par deux jeunes musiciens de grand talent : le belge Marc FRONCOUX, violoncelliste, et la suissesse Bettina BOLLER, violoniste. Une occasion de découvrir chacun des instruments, une occasion aussi d’entendre de la musique rarement jouée.

Outre la musique baroque pour violon, où le violoncelle jouera le rôle de la « basse continue », le duo nous fera entendre des oeuvres du répertoire écrit spécifiquement pour cette formation.
La plus célèbre, et la plus belle, est certainement la Sonate de Maurice RAVEL. Mais il y a également des duos de Joseph HAYDN, et bien d’autres oeuvres à découvrir …

Au programme : des extraits d’oeuvres de J. S. Bach (partitas ou sonates), Haydn (Duo en ré majeur), Beethoven (Duo en ut majeur), Rave l (Sonate), Prokofiev (Marche op. 65), Kodaly (Sonate op. 7, cello)

Le thème de l’animation sera axé. »sur l’évolution de la monodie à la polyphonie: mais pourquoi pas de la « monophonie » a la « polyodie » ? Attention, plusieurs voix qui chantent à l’unisson ne forment pas une polyphonie. Il s’agit de la marche simultanée de plusieurs parties mélodiquement différentes. Mais attention encore! Le mélange homogène des voix individualisées de la Renaissance a été supplanté, au 18è siècle, par un style nouveau: la « monodie accompagnée ».

Polyphonie postule donc, depuis : l’époque classique, non seulement différentes parties, mais aussi leur égale importance. Ainsi, subtiles sont les nuances qui conduisent du plain chant à la Symphonie des Mille!

Hervé NOEL, trompettiste belge (il est originaire de Virton), et Marc PINARDEL, organiste français

proposent une animation plus spécifiquement destinée aux plus jeunes, et qu’ils ont déjà maintes fois donnée aux Jeunesses Musicales de France.

Ils feront découvrir aux élèves deux instruments qu’ils associent souvent en concert: timbre brillant de la trompette, sonorités multiples de l’orgue (pour les animation s scolaires, ce sera bien entendu un orgue transportable).

De plus, un répertoire étonnamment varié mettra en valeur l’étonnante diversité des musiques écrites pour ces deux instruments.
Les différents styles, l’improvisation (notion capitale pour un organiste), « les grandes lignées d’organistes-compositeurs, musiques savantes, musiques populaires … tous les sujets abordés font de cette séance » une découverte passionnante.

Roger-Daniel LORD, pianiste ,
Michèle GAGNON, corniste, et Chantale BEAUCHAMP, trompettiste

ont formé en 1986 le TRIO CON BRIO, qui a, depuis, donné de très nombreux concerts et animations aux Jeunesses Musicales du Canada.

Ce sont trois très jeunes musiciens du Québec, qui présentent un spectacle varié, drôle, haut en couleurs mi se en scène, costumes, humour contribuent à en faire une réussite à tout coup.

L’animation est une promenade musicale à travers différents styles et différentes époques musique baroque (Bach, Vivaldi , Cherubini), romantique (Gottschalk), « classicorama »· (un panorama de la musique classique dans un arrangement endiablé du trio), jazz et …

Connaissant les exigences canadiennes, nous pouvons faire entière confiance à ces musiciens, formés à l’animation par Micheline Tessier, des J.M.C.

Le Festival « MUSIQUES AU LYCEE » est une initiative des J.M. de France. Réunir les meilleurs des groupes de lycéens sélectionnés à travers tout le pays, et les présenter lors d’une fête annuelle à Paris, voilà l’idée de départ.

Les groupes rock sont souvent les plus nombreux, mais bi en d’ autres. genres musicaux sont présents: classique, folk, variété, jazz…

En 1987, le festival a accueilli également des musiciens venus de Belgique (Hannut), de Grande-Bretagne et de Suède.
Séduits par l’idée française, les J.M. de ce dernier pays ont lancé le même type de concours, qui porte chez eux le nom de « Musik Direkt ».

En juin 1987 à Paris la Suède était représentée par le CLAES RUTGER GUSTAVSSONS ORKESTER, un quatuor dont la moyenne d’âge tourne autour de 16 ans. Le public a été séduit par la fraîcheur, la vitalité, la spontanéité de ces très jeunes rockers.

Leur animation donnera l’occasion au public scolaire d’entendre des rockers de leur âge, mais aussi de parler de la situation du rock en Suède, où toute une politique est menée pour « intégrer » cette musique, pour permettre à ceux qui la pratiquent de le faire dans des conditions optimales.

Et pourquoi ne pas envisager aussi le lancement, chez nous, de l’idée « musiques au lycée »?

Le quintette à vent MA’ALOT, créé en 1986, regroupe de jeunes musiciens allemands (seul le bassoniste est italien) qui se sont rencontrés dans le sein de l’Orchestre des Jeunes de la Communauté Européenne.
Ses membres sont Kornelia BRANDKAMP, flûte (née en 1967) Christian WETZEL, hautbois (né en 1964) Ulf-Guido SCHAFER, clarinette (né en 1963) Volker GREWEL, cor (né en 1964), Sergio AZZOLINI, basson (né.en 1967).

Tous les cinq ont déjà une belle carrière derrière eux, jalonnée de prix à des concours nationaux et internationaux, et une expérience d’orchestre (Junge Deutsche Philharmonie, de la Communauté Européenne).

En 1987, le quintette MA’ALOT remporte haut la main le Concours International des Jeunesses Musicales à Belgrade, devant des concurrents d’une très grande qualité. La saison 1988/1989 sera pour les jeunes musiciens l’occasion de donner des concerts dans plusieurs pays membres de la Fédération Internationale des Jeunesses Musicales.

Le nom pris par le groupe – MA’ALOT – est un mot hébreu, qui signifie « convivialité, jouer ensemble, être ensemble ».

Point n’est besoin de rappeler la qualité transcendante des groupes anglais en ce qui concerne la musique du Moyen-Age et de la. Renaissance : les Early Music Consort, Taverner Players, Deller Consort … sont connus et admirés dans le monde entier.

Le DUFAY COLLECTIVE est un tout jeune ensemble dont la carrlere s’annonce sous les meilleurs auspices. C’est certainement un privilège pour les Jeunesses Musicales de pouvoir inviter ce groupe à l’aube de sa carrière.

Bill BADLEY (luth, guitare de la Renaissance),
Paul BEVAN (saqueboute, flûtes à bec et percussion),
Julia GOODING (soprano),
Gilles LEWIN (rebec, vielle, flûtes bec, flûte),
William LYONS (flûtes à bec, flûte,
Susanna PELL(vielle, viole),
Neil ROWLAND (percussion) et
Peter SKUCE (claviers)
sont de jeunes musiciens qui souhaitent présenter d’une manière fraîche et vivante la musique du Moyen-Age et de la Renaissance. Soucieuse d’authenticité, leur approche de cette musique est pleine de vitalité, loin de tout académisme stérile.

Leur  répertoire couvre différentes époques : chants des troubadours et trouvères français (12è et 13è siècles), chansons de l a cour de Bourgogne (15è siècle, dont les plus illustres représentants sont Dufay, Busnois et Binchois), musique de cour de l’époque de la Renaissance en Espagne, Italie et Angleterre (16è siècle), et enfin musique française de la Renaissance et chants· anglais du 17ème siècle: 6 siècles de musique étonnamment riche, qui intéresse et attire un public de plus en plus large.

Trois propositions de programme:
– MUSIQUE DE L’EPOQUE DE THOMAS WYATT (1503-1542). Ce programme reflète les voyages du poète et diplomate anglais: cours italiennes, françaises, espagnoles, cour d’Henry VIII…
– FINE AMOUR, ou l’amour courtois, musique de troubadours et trouvères…
– MUSIQUE COTE COUR ET COTE CUISINE: ou la musique de la cour des Tudors, musique « classique », et musique « populaire », celle des tavernes et des marchés . . .

Giovanni PERGOLESI (1710-1736) : LA SERVA PADRONA (la Servante Maîtresse)

Bien que mort très jeune,PERGOLESE a composé beaucoup de musique de chambre et de musique sacrée (son oeuvre la plus célèbre est un Stabat Mater), des opéras sérieux et comiques. la SERVA PAORONA, créée à Naples en août 1733, est, parmi ses opéras, le seul à être joué régulièrement. La fraîcheur de la musique est d’autant plus remarquable que l’oeuvre fut au coeur de la fameuse « Querelle des Bouffons » à Paris. Sa représentation en 1752 par une troupe italienne vient renforcer la division en deux camps des musiciens et intellectuels français: moitié pour l’opéra français, moitié pour l’opéra italien. On appelait les nationalistes le « parti du coin du roi » et les opposants « 1e parti du coin de la reine ». Les premiers admiraient Lully et Rameau, tandis que les « bouffonistes » détestaient la complexité démodée des compositeurs français. La SERVA PAORONA connut 100 représentations à l’Opéra de Paris, puis 96 à la Comédie Française en 1753.

C’est un opéra à petite échelle, ne mettant en scène que trois personnages: UBERTO (basse), sa servante SERPINA (soprano) et le domestique VESPONE (rôle muet).
L’ouvrage sera chanté en italien et comprendra une présentation en français, intégrée à l’action.
le jeu et le dispositif se réfèrent aux styles en usage à l’époque de

Interprètes

ZERBINA UBERTO VESPONE claviers

Sarah WOODCOCK, soprano (USA) Jacques HERBILLON, baryton (France) Sylvain VAZEY, comédien'(France) Pyta SHRAGER (Belgique)

Mise en scène, décors et costumes sont réalisés par Sylvain VAZEY, qui assurera également la présentation de l’oeuvre.

Le CHOEUR DE JEUNES FILLES D’ADOLF FREDRIK a été créé en 1971 par Bo JOHANSSON. Il comprend 38 jeunes filles, âgées de 12 à 15 ans, choisies parmi les élèves des classes de musique de l’école ADOLF FREDRIK à Stockholm (il s’agit d’une école spéciale pour les jeunes, doués pour le chant).

Considéré comme l ‘un des meilleurs choeurs de jeunes en Suède, l’ensemble répète deux fois par semaine, et s’est constitué ainsi un vaste répertoire couvrant la musique profane et religieuse de toutes les époques.
Après des prèmiers prix en 1983 et 1985 au Concours international Zoltan Kodaly en Hongri e, le choeur a remporté le premi er pri x au très réputé Concours international de choeurs de jeunés à Nantes.

Des tournées de concerts conduisent régulièrement nos jeunes chanteuses à l’étranger et, bien entendu, en Suède, où le choeur chante chaque année lors de la cérémonie d’ouverture du Parlement.

Depuis sa création, le choeur est di rigé par Bo JOHANSSON, un disciple de Eric ERICSON, maitre de chant choral suédois de renommée mondiale. Bo JOHANSSON compte parmi les célèbres pédagogues de choeur de jeunes en Suède. n est aussi le chef du Choeur de Chambre du Bromma, l’un des meilleurs ensembles suédois, surtout en matière de musique contemporaine.

Huit matières sonores,
douze musiciens magnifiques,
une musique à découvrir,
qui nous vient de la Chine éternelle

« Eight Sound Resonance », c’est le nom de l’ensemble en anglais. Il s’agit des huit matériaux dont les chinois anciens se servaient pour que leur musique « résonne », soit le métal, la pierre, la soie, le bambou, la calebasse, l’argile, le cuir et le bois.

L’ensemble de musique de NANJING (Nankin), Chine populaire, nous- vient en tournée européenne avec un spectacle haut en couleurs, présentant des oeuvres du répertoire traditionnel chinois. Les instruments sont insolites: percussions de bronze, énormes tambours rouges, cymbales multiples, luth piriforme, longues trompettes ,hautbois , flûtes, etc… Les costumes sont chatoyants, les ensembles étonnent, les solistes de très grande classe et le percussionniste principal impressionnent… on peut, à juste titre, parler d’un événement !

Quelques titres de morceaux: Clair de lune automnal sur un palais, Oiseaux chantant dans les vallées, Bateaux de pêche de retour vers le rivage, Lotus sur l’eau, Le tigre se faisant les dents sur une pierre, Le phénix déployant ses ailes, etc …

Les artistes de NANJING nous feront revivre divers moments de la vie dans la Chine traditionnelle, évoqueront pour nous ses splendides paysages, sa faune et sa flore : une occasion uni que, au sens propre du mot, de découvrir une civilisation d’une richesse inouïe!

Cette tournée est organisée en co-production avec l’Association Belgique-Chine.